Un siglo que deja huella

Ya entramos en la recta final de este viaje... y como nos ha gustado tanto la pintura vamos a seguir con una obra de uno de mis pintores favoritos del impresionismo.

COMENTARIO DE LAS AMAPOLAS

Nombre de la pintura: Campo de amapolas cerca de Argenteuil

Autor: Claude Monet

Patrocinador: Desconocido

Localización espacial: Museo de Orsay (París)

Cronología: 1873

Estilo y época: Pintura de historia impresionista del S.XIX

Restos: Museo de Orsay (París)

ANÁLISIS TÉCNICO

Soporte: Lienzo

Técnica: Óleo sobre lienzo

Tipología: Cuadro

Composición: Nos encontramos que el protagonismo de la obra se lo lleva el paisaje, más concretamente llama la atención el campo de amapolas que ocupa gran parte del cuadro. Esto se debe a que el autor de la obra quería reflejar el paisaje en aquel instante. Destaca la presencia de figuras como la de una mujer con una niña al fondo del paisaje en la parte izquierda seguida mucho más adelante de otra mujer con un niño en la parte derecha del cuadro, siguiendo una estructura diagonal. Detrás de las mujeres y el campo de amapolas podemos observar una fila de árboles y una casita entre ellos.

Concepción espacial: Esta pintado de forma que resalte el campo de amapolas ya que no define los rostros y entre los colores pasteles y amarillos destaca el color rojo de las amapolas. Podemos decir que sigue una perspectiva diagonal, relacionando la distancia y la ubicación de las dos mujeres y horizontal establecida por la línea horizontal de los árboles de fondo.

Líneas y contornos: Las figuras en este caso no son reconocibles debido a que se quería resaltar el paisaje y no quién figuraba en ellos. Es por ello que utiliza mucho las manchas y la pincelada suelta. No parece que realicen un posado porque pretende reflejar el instante.

Colores: Los colores predominantes son cálidos y primarios: amarillos pasteles, verdes, azules... y destaca el rojo intenso, lo que dirige la atención del espectador.

ANÁLISIS FORMAL Y ESTÉTICO

Tratamiento de figuras: Es un cuadro muy realista ya que se quiere reflejar el paisaje en ese instante, destacando el campo de amapolas y esquematiza las figuras utilizando manchas y la pincelada suelta. No tiene simbolismo ya que no pretende reflejar más de lo que ve. Las vestimentas de las mujeres son las típicas de la sociedad del momento.

Uso del color: Existe contraste entre los colores del fondo y de las figuras (colores claros y pasteles como el verde, dorado, azul, grises y amarillo) y los colores de las amapolas (rojo pasión)

Uso de la luz: Al ser una escena de día, la luz predomina en todo el cuadro únicamente con sombras en el rostro de las figuras debido a sus sombreros.

INTERPRETACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN

El tema representado en esta ocasión son los paisajes de Argenteuil debido a que el autor del cuadro vivió por aquella zona durante algún tiempo y tenía preferencia por la representación de paisajes más que de retratos u otro tema.

Esto es así debido a la influencia de la época. El impresionismo tuvo lugar durante el último cuarto del siglo XIX, 1875-1900. Es un movimiento pictórico. Nació en 1874 cuando un critico de arte, Louis Le Roy,  al hacer un comentario de una exposición realizada en el taller de un fotógrafo, Nadar, basándose en el cuadro Impresión soleil levant de Monet llama burlonamente a estos pintores IMPRESIONISTAS. Las gentes se reían a carcajadas de estos cuadros, pero terminó imponiéndose y triunfando. Hacia 1900 cuando fueron muriendo los primeros impresionistas hicieron negocios fabulosos de esas pinturas. No es más que una pintura que intentó adecuarse a la vida que en esos momentos se estaba desarrollando. 

Al ser un movimiento nuevo no podemos tomar antecedentes; sin embargo, si que podríamos tomar como sustituto un cuadro del propio autor el cual consideramos el origen del impresionismo: Impresión soleil levant. Influirá con posterioridad en autores que pretenden imitar el estilo de este artista durante el siglo XX.

FOTO 1: Cuadro de Monet conocido como "Las amapolas". De todas las características ya dichas destaca que si nos acercáramos al cuadro se podrían observar como las caras de las figuras, las flores... son manchas de pintura.

BIBLIOGRAFÍA: Google Images, Apuntes de Historia de Arte, Wikipedia la Enciclopedia libre.

Pero... ¿y lo goyesco?

Hemos hecho muchos comentarios de pintura a estas alturas... pero nos falta hacerlo de el pintor más importante del neoclacisismo español: Goya

COMENTARIO DE LA FAMILIA DE CARLOS IV

Nombre de la pintura: La familia de Carlos IV

Autor: Francisco de Goya

Patrocinador: Carlos IV

Localización espacial: Museo Nacional del Prado (Madrid)

Cronología: 1800

Estilo y época: Cuadro histórico - retrato del neoclasicismo de Goya en su segunda etapa: La primera crisis.

Restos: Museo Nacional del Prado (Madrid)

ANÁLISIS TÉCNICO

Soporte: Lienzo

Técnica: Óleo sobre lienzo

Tipología: Cuadro histórico - retrato

Composición: Nos encontramos que el protagonismo de la obra se lo lleva sorprendentemente la esposa de Carlos IV y no el propio rey. Esto se debe a que el autor de la obra quería reflejar que quién de verdad manejaba el poder era su esposa y no Carlos IV. Destaca la presencia de toda la familia real y de personajes que en aquella época y en posteriores momentos tendrá mucha relevancia en la historia. Podemos diferenciar de izquierda a derecha los más importantes:  Carlos María Isidro, Fernando VII y su futura esposa, la reina María Luisa, el infante Francisco de Paula y
Carlos IV. En un segundo plano también aparecen otros personajes pero que históricamente hablando no son tan importantes. También es importante remarcar que Goya aparece en el retrato a la izquierda en un segundo plano utilizando una técnica similar a la de Velazquez en las Meninas.

En el fondo podemos observar cuadros con paisajes colgados en una pared, en la que podemos observar la utilización del claroscuro sobretodo en la zona izquierda del cuadro. Al ser un retrato, nos encontramos que el protagonismo de la obra se lo lleva el conjunto familiar, sin embargo como he dicho antes, destaca que la figura que se coloca en el centro es la esposa de Carlos IV.

Concepción espacial: Esta pintado de forma que resalte el conjunto familiar, especialmente a la Reina. Es por ello que podemos decir que tiene una composición horizontal.

Líneas y contornos: Las figuras en este caso si son reconocibles debido a que era un retrato y debía reflejar claramente los rasgos. Destaca que Goya a diferencia de otros autores hacía destacar los rasgos menos agraciados de las personas que retrataba con las que no tenía buena relación. En este caso parece que la familia realiza un posado. Podemos diferenciar de izquierda a derecha los más importantes:  Carlos María Isidro, Fernando VII y su futura esposa, la reina María Luisa, el infante Francisco de Paula y Carlos IV.

Colores: Los colores predominantes son cálidos y vivos: rojo, violeta, azul, verde, amarillo, etc.

ANÁLISIS FORMAL Y ESTÉTICO

Tratamiento de figuras: Es un cuadro muy realista ya que se quiere reflejar a las personas retratadas con sus rasgos, principalmente destacando el rostro. Tiene gran simbolismo ya que los rasgos menos agraciados de las personas que retrataba con las que no tenía buena relación los resaltaba. Su vestimentas son finas y elegantes típicas de la realeza.

Uso del color: Existe contraste entre los colores del fondo (...) y los colores de las vestimentas de las figuras (encarnado, rojo, violeta, azul oscuro...)

Uso de la luz: La luz predomina sobre todo en la zona derecha del cuadro mientras que en la zona izquierda podemos percibir el uso del claroscuro sobretodo en las figuras que se encuentran ya en un segundo plano, el fondo y en el propio Goya, de manera que la luz parece que proviene de una ventana alta situada a la izquierda.

INTERPRETACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN

Al ser un retrato no tiene más iconografía que la representación de la familia real española de la época 

Goya nace en 1746 y estudió el  barroco italiano. Se casa con  la  hermana  del  pintor  Francisco Bayeu  le facilita la instalación en la  corte y protegido por la duquesa de Osuna se convierte en 1785 en pintor del rey Carlos III y en pintor de cámara del rey Carlos IV.  Hacia  1790  una  enfermedad le deja sordo, lo que  le  influye  decisivamente.  La  sordera le inclina hacia el aislamiento y empieza a considerar el lado negativo .  A partir de 1808, la guerra de la Independencia va a suponer una experiencia dolorosa  que  intensifica  su  pesimismo.  Los  excesos  del  absolutismo le inclinan a aislarse en "pinturas  negras" en la  Quinta  del Sordo.  Con la represión absolutista en 1824 Goya decide abandonar España y se marcha a Burdeos donde muere en 1828. 

Podemos tomar como antecedentes de esta obra a La familia de Felipe V y Las Meninas ya que podemos observar una similitud en la composición con el primero y un autorretrato del artista como en la segunda, y más rasgos conjuntos que hacen que podemos tomar estas dos obras como claros referentes.

Tendrá influencia en posteriores pintores de cámara además de una gran trascendencia en la historia como uno de los mejores pintores de la historia española al tener varias obras con distintas temáticas y ser el pintor más importante del neoclacisismo.

FOTO 1: Cuadro original donde observamos todas las características dichas anteriormente, las vestimentas, la luz, los rasgos de los rostros, la figura central de la reina...

FOTO 2: Cuadro original  donde podemos identificar con claridad a cada uno de los integrantes de la familia real

BIBLIOGRAFÍA: Google Images, Apuntes de Historia de Arte, Wikipedia la Enciclopedia libre.

Ups... nos olvidamos de Bernini

Pasamos a escultura barroca, concretamente a un escultor muy importante que marcará la época por su teatralidad.

COMENTARIO DE EL ÉXTASIS DE SANTA TERESA

IDENTIFICACIÓN

Nombre de la escultura: Éxtasis de Santa Teresa

Autor: Juan Lorenzo Bernini

Patrocinador: Familia Cornaro

Localización espacial: Realizada en la iglesia de Santa María de la Victoria para la capilla de la familia Cornaro

Cronología: 1645- 1652

Estilo y época:  Escultura de estilo barroco italiano, siglo XVII

Restos: Iglesia de Santa María de la Victoria, Roma (Italia)

ANÁLISIS TÉCNICO

Tipología: Bulto redondo ya que podemos verlo desde distintos lados.

Materiales y técnicas empleadas: Tallado en mármol.

Descripción: Escultura femenina de una mujer, cubierta de ropajes y postrada (representando a Santa Teresa),de manera que está desmayada y sin embargo, representando en su rostro el éxtasis religioso. A su lado, se encuentra una escultura masculina de un niño joven (representado a un ángel), esbelto, de musculatura blanda sin apenas ropajes en pie en posición de avanzar y con los brazos en actitud de estar a punto de lanzar una flecha del amor hacia cristo.
Representa el ideal de la santidad, de la religiosidad de la época que se refleja en la actitud de santa Teresa y de la acción representada.

Formas: Estatua de una santa en éxtasis religioso, recibiendo la flecha de amor a Cristo. A su lado, el ángel está a punto de lanzarla.

Actitud: Postrada y desfallecida, pero en actitud violenta y pasional amando profundamente a Cristo.

Localización: Iglesia de Santa María de la Victoria, Roma (Italia)

ANÁLISIS FORMAL Y ESTÉTICO

Formas de expresión:  Plasma muy bien el volumen de los ropajes y las formas físicas y es capaz de otorgarle una profunda espiritualidad. Es una escultura que está lejos del hieratismo, y es una figuración representada con gran realismo en los rostros.

Tratamiento de formas: Textura lisa al estar tallada en mármol. No está policromada, pero tiene movimiento en los ropajes y el ángel y, sin embargo, Santa Teresa aún estando en éxtasis, no lo tiene y está postrada, desfallecida. Utiliza los rayos de sol hechos de bronce que se podrán en la capilla alrededor de la escultura con el fin de aparentar una luz de gloria y divina.

Composición: La figura principal de la composición es Santa Teresa. Destaca por los grandes volúmenes de sus ropajes y porque es la que recibe la flecha, que a su vez la señala a ella y por tanto le proporciona protagonismo, dejando al ángel en un segundo plano.

INTERPRETACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN

Representa a Santa Teresa, cubierta de ropajes y postrada de manera que está desmayada y sin embargo, representando en su rostro el éxtasis religioso. A su lado, se encuentra un ángel esbelto sin apenas ropajes en pie estando a punto de lanzar una flecha del amor hacia Cristo.

Las esculturas del barroco cuentan con las siguientes características:

-Es una evolución del Renacimiento donde la quietud y el sosiego se cambia por movimiento. El Renacimiento se caracteriza por el equilibrio y la quietud de las formas, el Barroco por movimiento y gesticulación.
- Intenta proyectar al espectador sentimientos espirituales. Es la exaltación de la Iglesia y glorificación del papado. intenta servir a la idea religiosa.
- La sociedad está en un momento de hipersensibilidad: aparecen las visiones y el misticismo (éxtasis de Santa Teresa)
- Naturalismo (se centra en lo natural, sea bello o no), tendiendo hacia lo realista.
- Teatralidad, las figuras poseen un movimiento como impulsadas por un viento externo, que proporciona efectos de contraluz.
- Polifacetismo temático, temas sacros, paganos y mitológicos.
- Cronología igual que la arquitectura.

No podemos tomar antecedentes de esta obra debido a que era la primera vez que se representaba a una santa con una expresión tan traspasada por lo divino, pero podemos tomar a la ménade de estopas por ejemplo. Influirá con posterioridad en las esculturas de la época.

FOTO 1: Vista de cerca desde la escultura donde se aprecia sobre todo el volumen de los ropajes de la santa.

FOTO 2: Vista general desde lejos de la composición, donde resalta los rayos de luz que nos hacen fijar la vista en la escultura.

FOTO 3 Y 4: Observamos de cerca los rostros del ángel y de la santa y sus diferentes actitudes: el ángel sereno frente a la pasión de Santa Teresa.

FOTO 5: CURIOSIDAD. Además en la misma capilla podemos encontrar un conjunto escultórico que representa a la familia Cornaro que mientras que uno mira directamente a la composición, los otros comentan entre sí  con asombro la escena, reflejando con todo esto la teatralidad  del escultor.

BIBLIOGRAFÍA: Google Images, Apuntes de Historia de Arte, Wikipedia la Enciclopedia libre.

Una perla irregular: Rubens

Nos vamos hacia el Barroco y vamos a hablar de Rubens que, a pesar de no ser tan conocido como Velazquéz, Goya y muchos otros, era muy especial porque reunía un poco de todo.

COMENTARIO DE LA ADORACIÓN DE LOS REYES

 Nombre de la pintura: La adoración de los reyes magos

Autor: Pedro Pablo Rubens

Patrocinador: Desconocido

Localización espacial: Museo Nacional del Prado (Madrid)

Cronología: 1609  y repintado en 1628 y 1629.

Estilo y época: Cuadro religioso del barroco

Restos: Museo Nacional del Prado (Madrid)

ANÁLISIS TÉCNICO

Soporte: Lienzo

Técnica: Óleo sobre lienzo

Tipología: Cuadro

Composición: Nos encontramos que el protagonismo de la obra se lo lleva Jesucristo en forma de niño. Destaca la presencia de la virgen y San José a la izquierda del cuadro y delante del niño en un primer lugar los reyes magos inclinados adorándolo y en un segundo plano figuras de pastores entre los que se encuentra el autorretrato de Rubens. En el fondo podemos observar elementos arquitectónicos, parte del cielo y vegetación.

Concepción espacial: Esta pintado de forma que resalte la figura del niño recién nacido y le da una perspectiva diagonal, desde Jesucristo hacia la esquina superior derecha.

Líneas y contornos: Las figuras en este caso si son reconocibles debido a que representa una escena bíblica y aunque la pintura era suelta se pueden distinguir claramente sus rasgos. Representa la escena en la que los reyes llegan al portal para adorar al Mesías.

Colores: Los colores predominantes son cálidos y vivos teniendo influencia veneciana: rojo, violeta, azul, verde, amarillo, etc.

ANÁLISIS FORMAL Y ESTÉTICO

Tratamiento de figuras: Es un cuadro muy realista ya que se quiere reflejar rostros reales pero a su vez bellos con sus rasgos. Sus vestimentas son finas y elegantes contextualizadas en la época del nacimiento de cristo.

Uso del color: Existe contraste entre los colores del fondo (verde - gris claro , blanco, azul...) y los colores de las túnicas de las figuras (encarnado, rojo, violeta, azul oscuro...)

Uso de la luz: La luz "nace" desde donde está el niño y se extiende hacia la esquina superior derecha, dándole perspectiva.

INTERPRETACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN

Esta obra representa la adoración de los reyes, un relato bíblico del evangelio de Mateo que nos dice que nacido Jesús en Belén de Judá en los días del rey Herodes, llegaron del Oriente a Jerusalén unos Magos, preguntando dónde está el rey de los judíos que acaba de nacer. Los magos, guiados por la estrella, caminan hasta pararse sobre el lugar donde estaba el niño. Entran en la casa, y ven al niño con María, su madre. De hinojos le adoran y abriendo sus cofres le ofrecen los dones de oro, incienso y mirra. Advertidos en sueños para que no volvieran junto a Herodes, regresan a su tierra por otro camino.

En Flandes se continúa con los ideales de la contrarreforma, por lo que hay un predominio de la temática religiosa, aunque los asuntos profanos fueron impulsados por la monarquía y la aristocracia. Pintura en lienzos grandes para la decoración de los palacios. Rubens pintó temas religioso sque era abundantes al servicio del ideal religioso donde destacan los temas de exaltación Eucarística y de la Iglesia. Usa en todas sus obras estas características:

• Bases: dinamismo, vitalidad y elegancia.
•  Colores: cálidos, muy luminosos y vivos (influencia veneciana)
•  Composiciones: en diagonal, lo que les da mas movimiento y su pincelada suelta.
•  Cuerpos varoniles: musculosos y de color moreno (influencia de Miguel Ángel).
•  Cuerpos femeninos: gruesos, exuberantes y nacarados (influencia de Tiziano).
•  Gran dinamismo.
•  Gusto por el paisaje: movido con árboles retorcidos y suelos ondulantes.

Como antecedente toma las obras anteriores realizadas por otros artistas que representaran esa misma escena e influirá de igual manera en otros artistas, además de hacer referencia a esta obra  en numerosos tratados o libros de arquitectura, poemas, etc.

FOTO 1: Obra original donde podemos observar todo lo dicho.

FOTO 2: Podemos observar a las figuras más de cerca, destacando el autoretrato de Rubens. Se cree que se añadirá con posterioridad a la realización de la obra al repintarla el propio autor.

BIBLIOGRAFÍA: Google Images, Apuntes de Historia de Arte, Wikipedia la Enciclopedia libre.

¡España también pinta!

Siguiendo la línea de la anterior entrada, seguimos en la pintura del Renacimiento pero ahora más concretamente en España... porque nosotros también tenemos algo que decir en esta etapa, no solo los italianos.

COMENTARIO DE EL CABALLERO DE LA MANO EN EL PECHO

 Nombre de la pintura: El caballero de la mano en el pecho

Autor: Domenikos Theotocopoulos (El Greco)

Patrocinador: Desconocido

Localización espacial: Museo Nacional del Prado (Madrid)

Cronología: 1580

Estilo y época: Retrato pintura renacentista

Restos: Museo Nacional del Prado (Madrid)

ANÁLISIS TÉCNICO

Soporte: Lienzo

Técnica: Óleo sobre lienzo

Tipología: Cuadro

Composición: Al ser un retrato, nos encontramos que el protagonismo de la obra se lo lleva el hombre que es retratado como figura principal. Destaca que ayuda a resaltar la figura con la no presencia de más personajes ni de fondo: únicamente un tono gris claro - verdoso tiene la función de este último.

Concepción espacial: Esta pintado de forma que resalte la figura que se retrata directamente de frente de forma que parezca que está mirando directamente al espectador.

Líneas y contornos: Las figuras en este caso si son reconocibles debido a que era un retrato y debía reflejar claramente los rasgos. En este caso parece que la figura parece que realiza un juramento de caballero. Se cree que el personaje representado es Juan de Silva y Ribera marqués de Montemayor.
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Colores: Los colores predominantes son fríos y oscuros: negro, gris claro, verde claro...

ANÁLISIS FORMAL Y ESTÉTICO

Tratamiento de figuras: Es un cuadro muy realista ya que se quiere reflejar a la persona retratada con sus rasgos, principalmente destacando el rostro. Su vestimenta es fina y elegante. Resalta su espada dorada y su medallón. Debido a su realismo se considera la perfecta representación de un caballero renacentista.

Uso del color: No existe contraste entre los colores del fondo (verde - gris claro) y los colores de la figura (negro, encarnado...)

Uso de la luz: La luz es más o menos la misma en todo el cuadro, pero se resalta ligeramente más a la figura, principalmente su rostro.

INTERPRETACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN

No tiene mucha simbología, solo elementos como el medallón y la espada que representan a un caballero español de alcurnia. Se considera la perfecta representación de un caballero renacentista.

En la pintura Renacentista española se dan dos características que tienen mayor desarrollo que en la escultura: la religiosidad y el peso de la tradición goticista.
Esto da lugar a una contradicción, pues  mientras que se acepta todo el aspecto formal del renacimiento italiano (dibujo, color, perspectiva, luz, etc.), se rechaza su contenido ideológico, por lo que no habrá pintura mitológica. Los temas son de tipo religioso y pagano.
No son aficionados al fresco por lo que se da la pintura al óleo sobre tabla, formando parte de un retablo, siendo escasas las obras de caballete.

Algunas características Greco son:
-  Sus cuerpos son alargados(no defecto visual), teniendo como causa la búsqueda de espiritualidad.
 - Los rostros son alargados, con mirada triste, y sus formas ondulantes  e inestables con tendencia a ascender
 - Sus figuras son huesudas y los ropajes vaporosos que no se pegan al cuerpo, parecen sólo el soporte de la cara.
  - Esta búsqueda de lo espiritual tiene como consecuencia una pérdida de lo material, no sólo en las personas sino también en el paisaje. Las barreras del cielo y tierra no existen, las nubes se bajan y se funden con las figuras humanas. En su pintura hay  siempre una falta de espacio que parece obligar al alargamiento de las figuras, por lo que los brazos son verticales y estrechos.
  - Los colores son fríos (verdes, azules y grises) y  los fondos son neutros o con cielos grises y tormentosos que influyen más en la espiritualidad de la escena.
  - La luz en su pintura es una luz universal, que está en cada una de las figuras sin venir de ningún lugar determinado, para buscar contrastes de luces y sombras.

Como antecedentes podemos tomar todos los retratos realizados anteriormente, especialmente los del renacimiento italiano y los anteriores realizados por el autor. Posteriormente, esta obra tendrá influencia en Manuel Machado, que hará un poema sobre él.

FOTO 1: Es el cuadro entero, donde podemos observar todo lo anteriormente dicho.

FOTO 2: Observamos más de cerca el realismo del rostro del caballero, el fondo y la luz.

BIBLIOGRAFÍA: Google Images, Apuntes de Historia de Arte, Wikipedia la Enciclopedia libre.

Renace la pintura... comenzamos a pintar

Continuamos este viaje con la pintura del renacimiento, que aunque nos suena mucho, vamos a profundizar en una de sus obras que no es tan conocida pero no deja de ser muy importante en la historia de España.

COMENTARIO DEL RETRATO DE CARLOS V EN LA BATALLA DE MULBERG

Nombre de la pintura: Retrato de Carlos V en la batalla de Mulberg

Autor: Tiziano

Patrocinador: María de Hungría

Localización espacial: Real Alcázar de Madrid

Cronología: 1548

Estilo y época: Retrato real de la escuela veneciana de pintura renacentista

Restos: Museo Nacional del Prado (Madrid)

ANÁLISIS TÉCNICO

Soporte: Lienzo

Técnica: Acuarela y óleo

Tipología: Cuadro

Composición: Al ser un retrato ecuestre, nos encontramos que el protagonismo de la obra se lo lleva Carlos V montado sobre su caballo como figura principal. Destaca que no halla más personajes debido a que al conmemorar una batalla se suele pintar a los derrotados a los pies del caballo. Al fondo a la derecha se puede observar el río Elba y a la izquierda un bosque.

Concepción espacial: Esta pintado de forma que resalte la figura de Carlos V como exaltación de la realeza.

Líneas y contornos: Las figuras en este caso si son reconocibles debido a que era un retrato y debía reflejar claramente los rasgos del emperador.

Colores: Los colores predominantes son cálidos: dorado, rojo, verde claro...

ANÁLISIS FORMAL Y ESTÉTICO

Tratamiento de figuras: Es un cuadro muy realista ya que se quiere reflejar al Emperador cansado y viejo añadiéndole un énfasis heroico y un espíritu de dinamismo, al mismo tiempo que representa cansancio y melancolía; la vestimenta y el atavío del caballo el mismo que llevaba en la batalla. El rostro también es realista.

Uso del color:La figura del Emperador con su armadura resplandeciente contrasta con la desolación del paisaje.

Uso de la luz: Típica la luz dorada del paisaje.

INTERPRETACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN

El cuadro conmemora la batalla de Mulberg, que culminó la guerra del emperador contra la liga protestante Smalkalda, derrotando a estos últimos, el 24 de abril de 1547. Tuvo lugar en Mulberg a orillas del río Elba. El factor sorpresa fue determinante para la victoria de los españoles que cruzaron el río. Como consecuencia la liga se deshizo y Carlos V logró afianzar su posición política y religiosa en Alemania.  

La pintura en el siglo XV se mueve en dos direcciones: Los artistas que se preocupan por la línea (Fray Angélico y Botticelli) y los artistas que se preocupan por el volumen ( Massaccio y Piero de la Francesca). El centro es Florencia.

En la Escuela de Venecia la tendencia es distinta a Florencia que es la capital del dibujo. Venecia es la capital del color. Es importante por su influencia sobretodo en el Barroco. Es una escuela que se da en el siglo XVI y que va a tener grandes maestros como Giorgione, Veronés ,Tiziano y Tintoretto.  Características de la Escuela:
 -Predominio del color sobre el dibujo, debido a dos razones: Por una neblina que tiene la ciudad que desdibuja los contornos, concediéndole más importancia a la forma y por razones históricas, debido a que es una ciudad comercial con gentes de países  lejanos con vestidos de colores vivos y con un ambiente de elegancia y gusto por lo fastuoso.
-Utilizan colores de tonos cálidos. El Rojo
-Pincelada suelta.
 -Importancia de los temas secundarios, es decir, al detalle se le concede la misma atención que al tema principal.
 - Exaltación de la riqueza, con la representación de Palacios y telas.
- Gusto por el paisaje poético con luces doradas
 - Frente a la belleza ideal platónica de la escuela romana se da un realismo que tiene sus raíces en la filosofía de Aristóteles.

Como posible antecedente podemos destacar la escultura-retrato de marco aurelio a caballo, como retrato ecuestre. Tendrá una influencia posterior en su hijo Felipe II, que a la hora de realizar su retrato, contará con el mismo artista que al igual que el de Carlos V,. Supo captar el carácter y personalidad del rey, triste, melancólico y con gran austeridad.

FOTO 1: Retrato de Carlos V en la batalla de Mulberg

FOTO 2: Rostro desde cerca del Emperador: cansado viejo pero muy realista.

BIBLIOGRAFIA: Wikipedia, apuntes de clase.

David se enfrenta a Goliat

Volvemos a cambiar de época... pero retomamos antiguas costumbres y nos vamos a inspirar en la Antigüedad Clásica

COMENTARIO DEL DAVID DE BRONCE DE DONATELLO

IDENTIFICACIÓN

Nombre del edificio: David de Bronce

Autor: Donatello

Patrocinador: Cosme de Médici

Localización espacial:  Realizada para colocarla en el jardín del palacio de Florencia de la familia Médici

Cronología: Alrededor de 1440

Estilo y época: Estilo renacentista, siglo XV época quatrocento italiano.

Restos: Museo Nazionale del Bargello, Florencia, Italia 


ANÁLISIS TÉCNICO

Tipología: Bulto redondo ya que podemos verlo desde distintos lados.

Materiales y técnicas empleadas: Tallado en bronce

Descripción: Escultura masculina de un hombre joven, esbelto, juvenil, melenudo,  en pie (representando a David), con los brazos en jarra, musculatura blanda y en posición de avanzar, y con una postura que recuerdan las “curvas praxitelianas”.
Representa el ideal de belleza de la época y, al mismo tiempo, el ideal del espíritu, que se refleja en la actitud que adopta, de contenido orgullo, después de haber matado al gigante.

Formas: Estatua de un David joven, triunfante sobre Goliat

Actitud: En pie y en posición triunfante, después de cortar la cabeza a Goliat.

Localización: Jardín del palacio de los Médici en Florencia

ANÁLISIS FORMAL Y ESTÉTICO

Formas de expresión:  Plasma muy bien el volumen y las formas físicas y es capaz de otorgarle una profunda espiritualidad. Tiene el perfecto equilibrio entre lo real y lo ideal. David es  representado  con gran serenidad y equilibrio.

Tratamiento de formas: Textura lisa al estar tallada en bronce, no hay movimiento pero su pie izquierdo está encima de la cabeza de Goliat y en posición de avanzar y sin ropajes a excepción de un sombrero característico florentino y unas botas.

Composición: Al ser una sola figura no hay distribución de formas o volúmenes. Si que es cierto
que la cabeza de Goliat actúa a modo de apoyo para generar contraposto y que al ser un gigante su cabeza tiene un tamaño mucho mayor en comparación con la de David.

INTERPRETACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN

En esta época se resucita la cultura grecorromana, pero no se limitó a una imitación, sino que es interpretada con una nueva mentalidad.  Las circunstancias que lo provocan son:

 1.- La fundación de las Universidades (supone el comienzo de la laicización de la cultura y el desarrollo de una sociedad con un pensamiento crítico)

2.- El desarrollo de una burguesía industrial y mercantil, enriquecida por el comercio, que decide los intereses de la sociedad y que se convertirá en el principal cliente del arte. El Mercantilismo será la doctrina económica que defenderá la intervención del gobierno en la economía; frente a esta doctrina el nuevo  Capitalismo que defiende la búsqueda del máximo beneficio y la defensa de la propiedad privada.  Los reyes buscan centralizar el poder, establecer estados más modernos (centralizados, con burocracia, ejército,…) Para ello se apoya en la burguesía que le ayudará en la lucha interna con los nobles. Destacar  la política matrimonial de los Reyes Católicos.

3.- Nuevos inventos, sobre todo la imprenta, que permite divulgar la cultura.

4.- El cambio al Homocentrismo (influye en una nueva concepción del espacio, en la que los elementos fundamentales son la proporción, simetría y perspectiva, con un equilibrio entre la planta y altura que responde a las medidas del hombre, y, frente al gótico donde las dimensiones poseían al hombre, en el Renacimiento el hombre domina el edificio (sentido antropocéntrico), predominando lo horizontal a lo vertical. La arquitectura tiene un sentido unitario, es decir, que las obras son vistas en su conjunto, al contrario que en el gótico que necesita desplazarse por tener varios puntos de vista.

 5.- Una sociedad que se caracteriza por el humanismo y la figura clave: el humanista. El Humanista es un hombre conocedor de las ciencias humanas, conocedor de la antigüedad clásica, sobre todo la griega, que lee en latín o en griego, que discute sobre Platón o Aristóteles, que conoce las más avanzadas teorías de Geografía, Cosmología, Física.... y además es poeta, orador, músico....etc. Aparecen tratadistas, entre ellos destacar a Vitrubio en arquitectura. Este arte humanista otorgará prioridad a la figura humana y a sus dimensiones. El canon ideal volverá a tener 8 cabezas (Lisipo) y la altura total igual a la longitud de los brazos extendidos.

6.- Aparece  el Mecenas (son los príncipes de estados que en sus cortes se forman los artistas y humanistas o se reúnen para discutir sobre la obra de arte)

7.- Desaparece el gremio y aparece la individualidad.

8.-  En el siglo XIII es un periodo de crisis en la Iglesia. Del siglo XIV al XVI surgen nuevas religiones y se inicia la reforma protestante. Esto va a traer guerras religiosas en Europa. La Iglesia se planteará la Contrarreforma.

Cronología En Italia se distinguen dos periodos:               

- Quattrocento: 1400 ( s. XV). 
- Cincuecento : 1500 ( s. XVI). 

En el resto de Europa sólo en el siglo XVI.

La estatua representa a David, que vivía en Belén con su familia de origen humilde. Este se enfrentó a Goliat, un gigante filisteo al que ningún israelita se atrevía a enfrentarse y de como con una honda le dió en la frente con una piedra, derribándolo al suelo. La estatua representa concretamente cuando al hacer esto le arrebata la espada a Goliat y le corta la cabeza.

Tuvo influencia posterior, puesto que se hicieron más esculturas de David, por ejemplo El David de Miguel Ángel.

FOTO 1: Podemos observar la escultura desde diferentes puntos de vista. Apreciamos el sombrero y las botas de David, la forma del cuerpo (curvas praxitelianas) y el contraposto. Además en su mano derecha porta la espada de Goliat y en la izquierda la piedra.

FOTO 2: Podemos observar la paz espiritual que otorga Donatello a David y la expresión de victoria contenida.

FOTO 3: Apreciamos más de cerca la cabeza de Goliat. Lo encontramos con los ojos cerrados y la boca entre abierta, además de que porta el casco de su armadura.

BIBLIOGRAFÍA: Wikipedia enciclopedia libre, Apuntes de arte, Google Images