Un siglo que deja huella

Ya entramos en la recta final de este viaje... y como nos ha gustado tanto la pintura vamos a seguir con una obra de uno de mis pintores favoritos del impresionismo.

COMENTARIO DE LAS AMAPOLAS

Nombre de la pintura: Campo de amapolas cerca de Argenteuil

Autor: Claude Monet

Patrocinador: Desconocido

Localización espacial: Museo de Orsay (París)

Cronología: 1873

Estilo y época: Pintura de historia impresionista del S.XIX

Restos: Museo de Orsay (París)

ANÁLISIS TÉCNICO

Soporte: Lienzo

Técnica: Óleo sobre lienzo

Tipología: Cuadro

Composición: Nos encontramos que el protagonismo de la obra se lo lleva el paisaje, más concretamente llama la atención el campo de amapolas que ocupa gran parte del cuadro. Esto se debe a que el autor de la obra quería reflejar el paisaje en aquel instante. Destaca la presencia de figuras como la de una mujer con una niña al fondo del paisaje en la parte izquierda seguida mucho más adelante de otra mujer con un niño en la parte derecha del cuadro, siguiendo una estructura diagonal. Detrás de las mujeres y el campo de amapolas podemos observar una fila de árboles y una casita entre ellos.

Concepción espacial: Esta pintado de forma que resalte el campo de amapolas ya que no define los rostros y entre los colores pasteles y amarillos destaca el color rojo de las amapolas. Podemos decir que sigue una perspectiva diagonal, relacionando la distancia y la ubicación de las dos mujeres y horizontal establecida por la línea horizontal de los árboles de fondo.

Líneas y contornos: Las figuras en este caso no son reconocibles debido a que se quería resaltar el paisaje y no quién figuraba en ellos. Es por ello que utiliza mucho las manchas y la pincelada suelta. No parece que realicen un posado porque pretende reflejar el instante.

Colores: Los colores predominantes son cálidos y primarios: amarillos pasteles, verdes, azules... y destaca el rojo intenso, lo que dirige la atención del espectador.

ANÁLISIS FORMAL Y ESTÉTICO

Tratamiento de figuras: Es un cuadro muy realista ya que se quiere reflejar el paisaje en ese instante, destacando el campo de amapolas y esquematiza las figuras utilizando manchas y la pincelada suelta. No tiene simbolismo ya que no pretende reflejar más de lo que ve. Las vestimentas de las mujeres son las típicas de la sociedad del momento.

Uso del color: Existe contraste entre los colores del fondo y de las figuras (colores claros y pasteles como el verde, dorado, azul, grises y amarillo) y los colores de las amapolas (rojo pasión)

Uso de la luz: Al ser una escena de día, la luz predomina en todo el cuadro únicamente con sombras en el rostro de las figuras debido a sus sombreros.

INTERPRETACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN

El tema representado en esta ocasión son los paisajes de Argenteuil debido a que el autor del cuadro vivió por aquella zona durante algún tiempo y tenía preferencia por la representación de paisajes más que de retratos u otro tema.

Esto es así debido a la influencia de la época. El impresionismo tuvo lugar durante el último cuarto del siglo XIX, 1875-1900. Es un movimiento pictórico. Nació en 1874 cuando un critico de arte, Louis Le Roy,  al hacer un comentario de una exposición realizada en el taller de un fotógrafo, Nadar, basándose en el cuadro Impresión soleil levant de Monet llama burlonamente a estos pintores IMPRESIONISTAS. Las gentes se reían a carcajadas de estos cuadros, pero terminó imponiéndose y triunfando. Hacia 1900 cuando fueron muriendo los primeros impresionistas hicieron negocios fabulosos de esas pinturas. No es más que una pintura que intentó adecuarse a la vida que en esos momentos se estaba desarrollando. 

Al ser un movimiento nuevo no podemos tomar antecedentes; sin embargo, si que podríamos tomar como sustituto un cuadro del propio autor el cual consideramos el origen del impresionismo: Impresión soleil levant. Influirá con posterioridad en autores que pretenden imitar el estilo de este artista durante el siglo XX.

FOTO 1: Cuadro de Monet conocido como "Las amapolas". De todas las características ya dichas destaca que si nos acercáramos al cuadro se podrían observar como las caras de las figuras, las flores... son manchas de pintura.

BIBLIOGRAFÍA: Google Images, Apuntes de Historia de Arte, Wikipedia la Enciclopedia libre.

Pero... ¿y lo goyesco?

Hemos hecho muchos comentarios de pintura a estas alturas... pero nos falta hacerlo de el pintor más importante del neoclacisismo español: Goya

COMENTARIO DE LA FAMILIA DE CARLOS IV

Nombre de la pintura: La familia de Carlos IV

Autor: Francisco de Goya

Patrocinador: Carlos IV

Localización espacial: Museo Nacional del Prado (Madrid)

Cronología: 1800

Estilo y época: Cuadro histórico - retrato del neoclasicismo de Goya en su segunda etapa: La primera crisis.

Restos: Museo Nacional del Prado (Madrid)

ANÁLISIS TÉCNICO

Soporte: Lienzo

Técnica: Óleo sobre lienzo

Tipología: Cuadro histórico - retrato

Composición: Nos encontramos que el protagonismo de la obra se lo lleva sorprendentemente la esposa de Carlos IV y no el propio rey. Esto se debe a que el autor de la obra quería reflejar que quién de verdad manejaba el poder era su esposa y no Carlos IV. Destaca la presencia de toda la familia real y de personajes que en aquella época y en posteriores momentos tendrá mucha relevancia en la historia. Podemos diferenciar de izquierda a derecha los más importantes:  Carlos María Isidro, Fernando VII y su futura esposa, la reina María Luisa, el infante Francisco de Paula y
Carlos IV. En un segundo plano también aparecen otros personajes pero que históricamente hablando no son tan importantes. También es importante remarcar que Goya aparece en el retrato a la izquierda en un segundo plano utilizando una técnica similar a la de Velazquez en las Meninas.

En el fondo podemos observar cuadros con paisajes colgados en una pared, en la que podemos observar la utilización del claroscuro sobretodo en la zona izquierda del cuadro. Al ser un retrato, nos encontramos que el protagonismo de la obra se lo lleva el conjunto familiar, sin embargo como he dicho antes, destaca que la figura que se coloca en el centro es la esposa de Carlos IV.

Concepción espacial: Esta pintado de forma que resalte el conjunto familiar, especialmente a la Reina. Es por ello que podemos decir que tiene una composición horizontal.

Líneas y contornos: Las figuras en este caso si son reconocibles debido a que era un retrato y debía reflejar claramente los rasgos. Destaca que Goya a diferencia de otros autores hacía destacar los rasgos menos agraciados de las personas que retrataba con las que no tenía buena relación. En este caso parece que la familia realiza un posado. Podemos diferenciar de izquierda a derecha los más importantes:  Carlos María Isidro, Fernando VII y su futura esposa, la reina María Luisa, el infante Francisco de Paula y Carlos IV.

Colores: Los colores predominantes son cálidos y vivos: rojo, violeta, azul, verde, amarillo, etc.

ANÁLISIS FORMAL Y ESTÉTICO

Tratamiento de figuras: Es un cuadro muy realista ya que se quiere reflejar a las personas retratadas con sus rasgos, principalmente destacando el rostro. Tiene gran simbolismo ya que los rasgos menos agraciados de las personas que retrataba con las que no tenía buena relación los resaltaba. Su vestimentas son finas y elegantes típicas de la realeza.

Uso del color: Existe contraste entre los colores del fondo (...) y los colores de las vestimentas de las figuras (encarnado, rojo, violeta, azul oscuro...)

Uso de la luz: La luz predomina sobre todo en la zona derecha del cuadro mientras que en la zona izquierda podemos percibir el uso del claroscuro sobretodo en las figuras que se encuentran ya en un segundo plano, el fondo y en el propio Goya, de manera que la luz parece que proviene de una ventana alta situada a la izquierda.

INTERPRETACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN

Al ser un retrato no tiene más iconografía que la representación de la familia real española de la época 

Goya nace en 1746 y estudió el  barroco italiano. Se casa con  la  hermana  del  pintor  Francisco Bayeu  le facilita la instalación en la  corte y protegido por la duquesa de Osuna se convierte en 1785 en pintor del rey Carlos III y en pintor de cámara del rey Carlos IV.  Hacia  1790  una  enfermedad le deja sordo, lo que  le  influye  decisivamente.  La  sordera le inclina hacia el aislamiento y empieza a considerar el lado negativo .  A partir de 1808, la guerra de la Independencia va a suponer una experiencia dolorosa  que  intensifica  su  pesimismo.  Los  excesos  del  absolutismo le inclinan a aislarse en "pinturas  negras" en la  Quinta  del Sordo.  Con la represión absolutista en 1824 Goya decide abandonar España y se marcha a Burdeos donde muere en 1828. 

Podemos tomar como antecedentes de esta obra a La familia de Felipe V y Las Meninas ya que podemos observar una similitud en la composición con el primero y un autorretrato del artista como en la segunda, y más rasgos conjuntos que hacen que podemos tomar estas dos obras como claros referentes.

Tendrá influencia en posteriores pintores de cámara además de una gran trascendencia en la historia como uno de los mejores pintores de la historia española al tener varias obras con distintas temáticas y ser el pintor más importante del neoclacisismo.

FOTO 1: Cuadro original donde observamos todas las características dichas anteriormente, las vestimentas, la luz, los rasgos de los rostros, la figura central de la reina...

FOTO 2: Cuadro original  donde podemos identificar con claridad a cada uno de los integrantes de la familia real

BIBLIOGRAFÍA: Google Images, Apuntes de Historia de Arte, Wikipedia la Enciclopedia libre.