Ups... nos olvidamos de Bernini

Pasamos a escultura barroca, concretamente a un escultor muy importante que marcará la época por su teatralidad.

COMENTARIO DE EL ÉXTASIS DE SANTA TERESA

IDENTIFICACIÓN

Nombre de la escultura: Éxtasis de Santa Teresa

Autor: Juan Lorenzo Bernini

Patrocinador: Familia Cornaro

Localización espacial: Realizada en la iglesia de Santa María de la Victoria para la capilla de la familia Cornaro

Cronología: 1645- 1652

Estilo y época:  Escultura de estilo barroco italiano, siglo XVII

Restos: Iglesia de Santa María de la Victoria, Roma (Italia)

ANÁLISIS TÉCNICO

Tipología: Bulto redondo ya que podemos verlo desde distintos lados.

Materiales y técnicas empleadas: Tallado en mármol.

Descripción: Escultura femenina de una mujer, cubierta de ropajes y postrada (representando a Santa Teresa),de manera que está desmayada y sin embargo, representando en su rostro el éxtasis religioso. A su lado, se encuentra una escultura masculina de un niño joven (representado a un ángel), esbelto, de musculatura blanda sin apenas ropajes en pie en posición de avanzar y con los brazos en actitud de estar a punto de lanzar una flecha del amor hacia cristo.
Representa el ideal de la santidad, de la religiosidad de la época que se refleja en la actitud de santa Teresa y de la acción representada.

Formas: Estatua de una santa en éxtasis religioso, recibiendo la flecha de amor a Cristo. A su lado, el ángel está a punto de lanzarla.

Actitud: Postrada y desfallecida, pero en actitud violenta y pasional amando profundamente a Cristo.

Localización: Iglesia de Santa María de la Victoria, Roma (Italia)

ANÁLISIS FORMAL Y ESTÉTICO

Formas de expresión:  Plasma muy bien el volumen de los ropajes y las formas físicas y es capaz de otorgarle una profunda espiritualidad. Es una escultura que está lejos del hieratismo, y es una figuración representada con gran realismo en los rostros.

Tratamiento de formas: Textura lisa al estar tallada en mármol. No está policromada, pero tiene movimiento en los ropajes y el ángel y, sin embargo, Santa Teresa aún estando en éxtasis, no lo tiene y está postrada, desfallecida. Utiliza los rayos de sol hechos de bronce que se podrán en la capilla alrededor de la escultura con el fin de aparentar una luz de gloria y divina.

Composición: La figura principal de la composición es Santa Teresa. Destaca por los grandes volúmenes de sus ropajes y porque es la que recibe la flecha, que a su vez la señala a ella y por tanto le proporciona protagonismo, dejando al ángel en un segundo plano.

INTERPRETACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN

Representa a Santa Teresa, cubierta de ropajes y postrada de manera que está desmayada y sin embargo, representando en su rostro el éxtasis religioso. A su lado, se encuentra un ángel esbelto sin apenas ropajes en pie estando a punto de lanzar una flecha del amor hacia Cristo.

Las esculturas del barroco cuentan con las siguientes características:

-Es una evolución del Renacimiento donde la quietud y el sosiego se cambia por movimiento. El Renacimiento se caracteriza por el equilibrio y la quietud de las formas, el Barroco por movimiento y gesticulación.
- Intenta proyectar al espectador sentimientos espirituales. Es la exaltación de la Iglesia y glorificación del papado. intenta servir a la idea religiosa.
- La sociedad está en un momento de hipersensibilidad: aparecen las visiones y el misticismo (éxtasis de Santa Teresa)
- Naturalismo (se centra en lo natural, sea bello o no), tendiendo hacia lo realista.
- Teatralidad, las figuras poseen un movimiento como impulsadas por un viento externo, que proporciona efectos de contraluz.
- Polifacetismo temático, temas sacros, paganos y mitológicos.
- Cronología igual que la arquitectura.

No podemos tomar antecedentes de esta obra debido a que era la primera vez que se representaba a una santa con una expresión tan traspasada por lo divino, pero podemos tomar a la ménade de estopas por ejemplo. Influirá con posterioridad en las esculturas de la época.

FOTO 1: Vista de cerca desde la escultura donde se aprecia sobre todo el volumen de los ropajes de la santa.

FOTO 2: Vista general desde lejos de la composición, donde resalta los rayos de luz que nos hacen fijar la vista en la escultura.

FOTO 3 Y 4: Observamos de cerca los rostros del ángel y de la santa y sus diferentes actitudes: el ángel sereno frente a la pasión de Santa Teresa.

FOTO 5: CURIOSIDAD. Además en la misma capilla podemos encontrar un conjunto escultórico que representa a la familia Cornaro que mientras que uno mira directamente a la composición, los otros comentan entre sí  con asombro la escena, reflejando con todo esto la teatralidad  del escultor.

BIBLIOGRAFÍA: Google Images, Apuntes de Historia de Arte, Wikipedia la Enciclopedia libre.

Una perla irregular: Rubens

Nos vamos hacia el Barroco y vamos a hablar de Rubens que, a pesar de no ser tan conocido como Velazquéz, Goya y muchos otros, era muy especial porque reunía un poco de todo.

COMENTARIO DE LA ADORACIÓN DE LOS REYES

 Nombre de la pintura: La adoración de los reyes magos

Autor: Pedro Pablo Rubens

Patrocinador: Desconocido

Localización espacial: Museo Nacional del Prado (Madrid)

Cronología: 1609  y repintado en 1628 y 1629.

Estilo y época: Cuadro religioso del barroco

Restos: Museo Nacional del Prado (Madrid)

ANÁLISIS TÉCNICO

Soporte: Lienzo

Técnica: Óleo sobre lienzo

Tipología: Cuadro

Composición: Nos encontramos que el protagonismo de la obra se lo lleva Jesucristo en forma de niño. Destaca la presencia de la virgen y San José a la izquierda del cuadro y delante del niño en un primer lugar los reyes magos inclinados adorándolo y en un segundo plano figuras de pastores entre los que se encuentra el autorretrato de Rubens. En el fondo podemos observar elementos arquitectónicos, parte del cielo y vegetación.

Concepción espacial: Esta pintado de forma que resalte la figura del niño recién nacido y le da una perspectiva diagonal, desde Jesucristo hacia la esquina superior derecha.

Líneas y contornos: Las figuras en este caso si son reconocibles debido a que representa una escena bíblica y aunque la pintura era suelta se pueden distinguir claramente sus rasgos. Representa la escena en la que los reyes llegan al portal para adorar al Mesías.

Colores: Los colores predominantes son cálidos y vivos teniendo influencia veneciana: rojo, violeta, azul, verde, amarillo, etc.

ANÁLISIS FORMAL Y ESTÉTICO

Tratamiento de figuras: Es un cuadro muy realista ya que se quiere reflejar rostros reales pero a su vez bellos con sus rasgos. Sus vestimentas son finas y elegantes contextualizadas en la época del nacimiento de cristo.

Uso del color: Existe contraste entre los colores del fondo (verde - gris claro , blanco, azul...) y los colores de las túnicas de las figuras (encarnado, rojo, violeta, azul oscuro...)

Uso de la luz: La luz "nace" desde donde está el niño y se extiende hacia la esquina superior derecha, dándole perspectiva.

INTERPRETACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN

Esta obra representa la adoración de los reyes, un relato bíblico del evangelio de Mateo que nos dice que nacido Jesús en Belén de Judá en los días del rey Herodes, llegaron del Oriente a Jerusalén unos Magos, preguntando dónde está el rey de los judíos que acaba de nacer. Los magos, guiados por la estrella, caminan hasta pararse sobre el lugar donde estaba el niño. Entran en la casa, y ven al niño con María, su madre. De hinojos le adoran y abriendo sus cofres le ofrecen los dones de oro, incienso y mirra. Advertidos en sueños para que no volvieran junto a Herodes, regresan a su tierra por otro camino.

En Flandes se continúa con los ideales de la contrarreforma, por lo que hay un predominio de la temática religiosa, aunque los asuntos profanos fueron impulsados por la monarquía y la aristocracia. Pintura en lienzos grandes para la decoración de los palacios. Rubens pintó temas religioso sque era abundantes al servicio del ideal religioso donde destacan los temas de exaltación Eucarística y de la Iglesia. Usa en todas sus obras estas características:

• Bases: dinamismo, vitalidad y elegancia.
•  Colores: cálidos, muy luminosos y vivos (influencia veneciana)
•  Composiciones: en diagonal, lo que les da mas movimiento y su pincelada suelta.
•  Cuerpos varoniles: musculosos y de color moreno (influencia de Miguel Ángel).
•  Cuerpos femeninos: gruesos, exuberantes y nacarados (influencia de Tiziano).
•  Gran dinamismo.
•  Gusto por el paisaje: movido con árboles retorcidos y suelos ondulantes.

Como antecedente toma las obras anteriores realizadas por otros artistas que representaran esa misma escena e influirá de igual manera en otros artistas, además de hacer referencia a esta obra  en numerosos tratados o libros de arquitectura, poemas, etc.

FOTO 1: Obra original donde podemos observar todo lo dicho.

FOTO 2: Podemos observar a las figuras más de cerca, destacando el autoretrato de Rubens. Se cree que se añadirá con posterioridad a la realización de la obra al repintarla el propio autor.

BIBLIOGRAFÍA: Google Images, Apuntes de Historia de Arte, Wikipedia la Enciclopedia libre.

¡España también pinta!

Siguiendo la línea de la anterior entrada, seguimos en la pintura del Renacimiento pero ahora más concretamente en España... porque nosotros también tenemos algo que decir en esta etapa, no solo los italianos.

COMENTARIO DE EL CABALLERO DE LA MANO EN EL PECHO

 Nombre de la pintura: El caballero de la mano en el pecho

Autor: Domenikos Theotocopoulos (El Greco)

Patrocinador: Desconocido

Localización espacial: Museo Nacional del Prado (Madrid)

Cronología: 1580

Estilo y época: Retrato pintura renacentista

Restos: Museo Nacional del Prado (Madrid)

ANÁLISIS TÉCNICO

Soporte: Lienzo

Técnica: Óleo sobre lienzo

Tipología: Cuadro

Composición: Al ser un retrato, nos encontramos que el protagonismo de la obra se lo lleva el hombre que es retratado como figura principal. Destaca que ayuda a resaltar la figura con la no presencia de más personajes ni de fondo: únicamente un tono gris claro - verdoso tiene la función de este último.

Concepción espacial: Esta pintado de forma que resalte la figura que se retrata directamente de frente de forma que parezca que está mirando directamente al espectador.

Líneas y contornos: Las figuras en este caso si son reconocibles debido a que era un retrato y debía reflejar claramente los rasgos. En este caso parece que la figura parece que realiza un juramento de caballero. Se cree que el personaje representado es Juan de Silva y Ribera marqués de Montemayor.
.
Colores: Los colores predominantes son fríos y oscuros: negro, gris claro, verde claro...

ANÁLISIS FORMAL Y ESTÉTICO

Tratamiento de figuras: Es un cuadro muy realista ya que se quiere reflejar a la persona retratada con sus rasgos, principalmente destacando el rostro. Su vestimenta es fina y elegante. Resalta su espada dorada y su medallón. Debido a su realismo se considera la perfecta representación de un caballero renacentista.

Uso del color: No existe contraste entre los colores del fondo (verde - gris claro) y los colores de la figura (negro, encarnado...)

Uso de la luz: La luz es más o menos la misma en todo el cuadro, pero se resalta ligeramente más a la figura, principalmente su rostro.

INTERPRETACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN

No tiene mucha simbología, solo elementos como el medallón y la espada que representan a un caballero español de alcurnia. Se considera la perfecta representación de un caballero renacentista.

En la pintura Renacentista española se dan dos características que tienen mayor desarrollo que en la escultura: la religiosidad y el peso de la tradición goticista.
Esto da lugar a una contradicción, pues  mientras que se acepta todo el aspecto formal del renacimiento italiano (dibujo, color, perspectiva, luz, etc.), se rechaza su contenido ideológico, por lo que no habrá pintura mitológica. Los temas son de tipo religioso y pagano.
No son aficionados al fresco por lo que se da la pintura al óleo sobre tabla, formando parte de un retablo, siendo escasas las obras de caballete.

Algunas características Greco son:
-  Sus cuerpos son alargados(no defecto visual), teniendo como causa la búsqueda de espiritualidad.
 - Los rostros son alargados, con mirada triste, y sus formas ondulantes  e inestables con tendencia a ascender
 - Sus figuras son huesudas y los ropajes vaporosos que no se pegan al cuerpo, parecen sólo el soporte de la cara.
  - Esta búsqueda de lo espiritual tiene como consecuencia una pérdida de lo material, no sólo en las personas sino también en el paisaje. Las barreras del cielo y tierra no existen, las nubes se bajan y se funden con las figuras humanas. En su pintura hay  siempre una falta de espacio que parece obligar al alargamiento de las figuras, por lo que los brazos son verticales y estrechos.
  - Los colores son fríos (verdes, azules y grises) y  los fondos son neutros o con cielos grises y tormentosos que influyen más en la espiritualidad de la escena.
  - La luz en su pintura es una luz universal, que está en cada una de las figuras sin venir de ningún lugar determinado, para buscar contrastes de luces y sombras.

Como antecedentes podemos tomar todos los retratos realizados anteriormente, especialmente los del renacimiento italiano y los anteriores realizados por el autor. Posteriormente, esta obra tendrá influencia en Manuel Machado, que hará un poema sobre él.

FOTO 1: Es el cuadro entero, donde podemos observar todo lo anteriormente dicho.

FOTO 2: Observamos más de cerca el realismo del rostro del caballero, el fondo y la luz.

BIBLIOGRAFÍA: Google Images, Apuntes de Historia de Arte, Wikipedia la Enciclopedia libre.

Renace la pintura... comenzamos a pintar

Continuamos este viaje con la pintura del renacimiento, que aunque nos suena mucho, vamos a profundizar en una de sus obras que no es tan conocida pero no deja de ser muy importante en la historia de España.

COMENTARIO DEL RETRATO DE CARLOS V EN LA BATALLA DE MULBERG

Nombre de la pintura: Retrato de Carlos V en la batalla de Mulberg

Autor: Tiziano

Patrocinador: María de Hungría

Localización espacial: Real Alcázar de Madrid

Cronología: 1548

Estilo y época: Retrato real de la escuela veneciana de pintura renacentista

Restos: Museo Nacional del Prado (Madrid)

ANÁLISIS TÉCNICO

Soporte: Lienzo

Técnica: Acuarela y óleo

Tipología: Cuadro

Composición: Al ser un retrato ecuestre, nos encontramos que el protagonismo de la obra se lo lleva Carlos V montado sobre su caballo como figura principal. Destaca que no halla más personajes debido a que al conmemorar una batalla se suele pintar a los derrotados a los pies del caballo. Al fondo a la derecha se puede observar el río Elba y a la izquierda un bosque.

Concepción espacial: Esta pintado de forma que resalte la figura de Carlos V como exaltación de la realeza.

Líneas y contornos: Las figuras en este caso si son reconocibles debido a que era un retrato y debía reflejar claramente los rasgos del emperador.

Colores: Los colores predominantes son cálidos: dorado, rojo, verde claro...

ANÁLISIS FORMAL Y ESTÉTICO

Tratamiento de figuras: Es un cuadro muy realista ya que se quiere reflejar al Emperador cansado y viejo añadiéndole un énfasis heroico y un espíritu de dinamismo, al mismo tiempo que representa cansancio y melancolía; la vestimenta y el atavío del caballo el mismo que llevaba en la batalla. El rostro también es realista.

Uso del color:La figura del Emperador con su armadura resplandeciente contrasta con la desolación del paisaje.

Uso de la luz: Típica la luz dorada del paisaje.

INTERPRETACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN

El cuadro conmemora la batalla de Mulberg, que culminó la guerra del emperador contra la liga protestante Smalkalda, derrotando a estos últimos, el 24 de abril de 1547. Tuvo lugar en Mulberg a orillas del río Elba. El factor sorpresa fue determinante para la victoria de los españoles que cruzaron el río. Como consecuencia la liga se deshizo y Carlos V logró afianzar su posición política y religiosa en Alemania.  

La pintura en el siglo XV se mueve en dos direcciones: Los artistas que se preocupan por la línea (Fray Angélico y Botticelli) y los artistas que se preocupan por el volumen ( Massaccio y Piero de la Francesca). El centro es Florencia.

En la Escuela de Venecia la tendencia es distinta a Florencia que es la capital del dibujo. Venecia es la capital del color. Es importante por su influencia sobretodo en el Barroco. Es una escuela que se da en el siglo XVI y que va a tener grandes maestros como Giorgione, Veronés ,Tiziano y Tintoretto.  Características de la Escuela:
 -Predominio del color sobre el dibujo, debido a dos razones: Por una neblina que tiene la ciudad que desdibuja los contornos, concediéndole más importancia a la forma y por razones históricas, debido a que es una ciudad comercial con gentes de países  lejanos con vestidos de colores vivos y con un ambiente de elegancia y gusto por lo fastuoso.
-Utilizan colores de tonos cálidos. El Rojo
-Pincelada suelta.
 -Importancia de los temas secundarios, es decir, al detalle se le concede la misma atención que al tema principal.
 - Exaltación de la riqueza, con la representación de Palacios y telas.
- Gusto por el paisaje poético con luces doradas
 - Frente a la belleza ideal platónica de la escuela romana se da un realismo que tiene sus raíces en la filosofía de Aristóteles.

Como posible antecedente podemos destacar la escultura-retrato de marco aurelio a caballo, como retrato ecuestre. Tendrá una influencia posterior en su hijo Felipe II, que a la hora de realizar su retrato, contará con el mismo artista que al igual que el de Carlos V,. Supo captar el carácter y personalidad del rey, triste, melancólico y con gran austeridad.

FOTO 1: Retrato de Carlos V en la batalla de Mulberg

FOTO 2: Rostro desde cerca del Emperador: cansado viejo pero muy realista.

BIBLIOGRAFIA: Wikipedia, apuntes de clase.

David se enfrenta a Goliat

Volvemos a cambiar de época... pero retomamos antiguas costumbres y nos vamos a inspirar en la Antigüedad Clásica

COMENTARIO DEL DAVID DE BRONCE DE DONATELLO

IDENTIFICACIÓN

Nombre del edificio: David de Bronce

Autor: Donatello

Patrocinador: Cosme de Médici

Localización espacial:  Realizada para colocarla en el jardín del palacio de Florencia de la familia Médici

Cronología: Alrededor de 1440

Estilo y época: Estilo renacentista, siglo XV época quatrocento italiano.

Restos: Museo Nazionale del Bargello, Florencia, Italia 


ANÁLISIS TÉCNICO

Tipología: Bulto redondo ya que podemos verlo desde distintos lados.

Materiales y técnicas empleadas: Tallado en bronce

Descripción: Escultura masculina de un hombre joven, esbelto, juvenil, melenudo,  en pie (representando a David), con los brazos en jarra, musculatura blanda y en posición de avanzar, y con una postura que recuerdan las “curvas praxitelianas”.
Representa el ideal de belleza de la época y, al mismo tiempo, el ideal del espíritu, que se refleja en la actitud que adopta, de contenido orgullo, después de haber matado al gigante.

Formas: Estatua de un David joven, triunfante sobre Goliat

Actitud: En pie y en posición triunfante, después de cortar la cabeza a Goliat.

Localización: Jardín del palacio de los Médici en Florencia

ANÁLISIS FORMAL Y ESTÉTICO

Formas de expresión:  Plasma muy bien el volumen y las formas físicas y es capaz de otorgarle una profunda espiritualidad. Tiene el perfecto equilibrio entre lo real y lo ideal. David es  representado  con gran serenidad y equilibrio.

Tratamiento de formas: Textura lisa al estar tallada en bronce, no hay movimiento pero su pie izquierdo está encima de la cabeza de Goliat y en posición de avanzar y sin ropajes a excepción de un sombrero característico florentino y unas botas.

Composición: Al ser una sola figura no hay distribución de formas o volúmenes. Si que es cierto
que la cabeza de Goliat actúa a modo de apoyo para generar contraposto y que al ser un gigante su cabeza tiene un tamaño mucho mayor en comparación con la de David.

INTERPRETACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN

En esta época se resucita la cultura grecorromana, pero no se limitó a una imitación, sino que es interpretada con una nueva mentalidad.  Las circunstancias que lo provocan son:

 1.- La fundación de las Universidades (supone el comienzo de la laicización de la cultura y el desarrollo de una sociedad con un pensamiento crítico)

2.- El desarrollo de una burguesía industrial y mercantil, enriquecida por el comercio, que decide los intereses de la sociedad y que se convertirá en el principal cliente del arte. El Mercantilismo será la doctrina económica que defenderá la intervención del gobierno en la economía; frente a esta doctrina el nuevo  Capitalismo que defiende la búsqueda del máximo beneficio y la defensa de la propiedad privada.  Los reyes buscan centralizar el poder, establecer estados más modernos (centralizados, con burocracia, ejército,…) Para ello se apoya en la burguesía que le ayudará en la lucha interna con los nobles. Destacar  la política matrimonial de los Reyes Católicos.

3.- Nuevos inventos, sobre todo la imprenta, que permite divulgar la cultura.

4.- El cambio al Homocentrismo (influye en una nueva concepción del espacio, en la que los elementos fundamentales son la proporción, simetría y perspectiva, con un equilibrio entre la planta y altura que responde a las medidas del hombre, y, frente al gótico donde las dimensiones poseían al hombre, en el Renacimiento el hombre domina el edificio (sentido antropocéntrico), predominando lo horizontal a lo vertical. La arquitectura tiene un sentido unitario, es decir, que las obras son vistas en su conjunto, al contrario que en el gótico que necesita desplazarse por tener varios puntos de vista.

 5.- Una sociedad que se caracteriza por el humanismo y la figura clave: el humanista. El Humanista es un hombre conocedor de las ciencias humanas, conocedor de la antigüedad clásica, sobre todo la griega, que lee en latín o en griego, que discute sobre Platón o Aristóteles, que conoce las más avanzadas teorías de Geografía, Cosmología, Física.... y además es poeta, orador, músico....etc. Aparecen tratadistas, entre ellos destacar a Vitrubio en arquitectura. Este arte humanista otorgará prioridad a la figura humana y a sus dimensiones. El canon ideal volverá a tener 8 cabezas (Lisipo) y la altura total igual a la longitud de los brazos extendidos.

6.- Aparece  el Mecenas (son los príncipes de estados que en sus cortes se forman los artistas y humanistas o se reúnen para discutir sobre la obra de arte)

7.- Desaparece el gremio y aparece la individualidad.

8.-  En el siglo XIII es un periodo de crisis en la Iglesia. Del siglo XIV al XVI surgen nuevas religiones y se inicia la reforma protestante. Esto va a traer guerras religiosas en Europa. La Iglesia se planteará la Contrarreforma.

Cronología En Italia se distinguen dos periodos:               

- Quattrocento: 1400 ( s. XV). 
- Cincuecento : 1500 ( s. XVI). 

En el resto de Europa sólo en el siglo XVI.

La estatua representa a David, que vivía en Belén con su familia de origen humilde. Este se enfrentó a Goliat, un gigante filisteo al que ningún israelita se atrevía a enfrentarse y de como con una honda le dió en la frente con una piedra, derribándolo al suelo. La estatua representa concretamente cuando al hacer esto le arrebata la espada a Goliat y le corta la cabeza.

Tuvo influencia posterior, puesto que se hicieron más esculturas de David, por ejemplo El David de Miguel Ángel.

FOTO 1: Podemos observar la escultura desde diferentes puntos de vista. Apreciamos el sombrero y las botas de David, la forma del cuerpo (curvas praxitelianas) y el contraposto. Además en su mano derecha porta la espada de Goliat y en la izquierda la piedra.

FOTO 2: Podemos observar la paz espiritual que otorga Donatello a David y la expresión de victoria contenida.

FOTO 3: Apreciamos más de cerca la cabeza de Goliat. Lo encontramos con los ojos cerrados y la boca entre abierta, además de que porta el casco de su armadura.

BIBLIOGRAFÍA: Wikipedia enciclopedia libre, Apuntes de arte, Google Images

Otra nueva etapa: El arte gótico

Dejamos el románico atrás para dar paso a una etapa donde la sobriedad se sustituye por una exquisita decoración, y que nos ha dejado una maravilloso legado como El Matrimonio Arnolfini, Notre Dame... o la Catedral de Burgos



COMENTARIO DE LA CATEDRAL DE BURGOS

IDENTIFICACIÓN

Nombre del edificio: Santa Iglesia Catedral Basílica Metropolitana de Santa María

Autor: Maestro Enrique y Juan Pérez (Otros menos importantes: Juan de Colonia, Simón de Colonia, Juan de Vallejo y Juan de Castaneda) 

Patrocinador: Obispo Don Mauricio

Localización espacial: Plaza de Santa María, s/n, 09003 Burgos, España

Cronología: Construcción iniciada en el S.XIII (1221 aproximadamente), consagrada en 1260 y finalizada en el S.XV.

Estilo y época:  Arquitectura gótica, siglo XIII- XV Principios del Gótico español

Restos: Plaza de Santa María, s/n, 09003 Burgos, España



ANÁLISIS TÉCNICO

Tipología:  Iglesia Catedral religiosa cristiana gótica española

Concepción espacio interior:   Planta basilical en forma de cruz latina de tres naves siendo la central más alta y ancha que las laterales separadas por pilares con columnas. Estas naves laterales se traducirán en una girola que rodea el altar de la Iglesia y que forma parte del ábside con varias capillas absidiales. Además la catedral cuenta con un transepto que ha diferencia de los ya vistos en el románico, cuenta con una sola nave y está formado por cuatro grandes pilares con el fin de poder albergar la bóveda. También podemos observar que cuenta con triforio. 

Concepción del espacio exterior: Consta de cuatro puertas que son La Coronería, el Sacramental, La Pellejería y la fachada principal. Esta última tiene en el primer cuerpo tres puertas, en el segundo cuerpo un rosetón y dos ventanales y en el tercer cuerpo se construyó la galería de reyes y dos torres planas, a las que se le añadirían con posterioridad los chapiteles. Inclusive podemos observar un cimborrio.

Materiales y técnicas de construcción: Piedra revestida

Elementos constructivos:

                       - Elementos sustentantes: Pilares y columnas. Muros y torres. Arbotantes, contrafuertes...

                       - Elementos sostenidos:  Bóvedas octogonales, estrelladas y caladas. Espinazo, bóvedas ojivales, cimborrio, chapiteles, arcos apuntados, bóvedas de arista...

                       - Elementos decorativos: Torres, Decoración escultórica en las portadas, capillas y en el altar, pináculos...


ANÁLISIS FORMAL Y ESTÉTICO

Líneas compositivas del espacio interior y exterior: El edificio refleja el cambio del feudalismo a la monarquía, donde la Iglesia es el símbolo de la idea de Dios, ansioso de luz y de elevación.

Intencionalidad: Debido a ese cambio del feudalismo a la monarquía y a la importancia para la monarquía del uso de las iglesias para sus celebraciones, el edificio debe expresar un aaumento de poder y de grandiosidad.  Para ello, con una combinación de fuerzas que permite construir un  gran esqueleto de piedra, intenta reflejar esa granciosidad debido a su  gran altura y monumentalisto sobrio en su exterior y gran decoración en su interior, especialmente en las capillas y un gran uso de vidrieras.

Función de la obra: Lugar donde los cristianos de Burgos podían dar culto a Dios y orar. Además al ser catedral pretendía reflejar el poder de la diócesis y albergar el obispado, además de servir para uso de celebraciones religiosas de los monarcas.


INTERPRETACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN

En España el gótico no se mantuvo estacionado en lo que se estableció en su país de origen, sino que evolucionó y aceptó las novedades adaptándolas a las características españolas. Tuvo principalmente dos vías de penetración:

1.- La orden del Císter que en el siglo XIII construyen en España los principales conventos de la orden.

2.- El casamiento de reyes españoles con princesas francesas (motiva la entrada del gótico)

El gótico en España tuvo diferentes etapas:

1.- S.XIII: Núcleo de Castilla y sus principales catedrales: Burgos, Toledo y León.

2.- S.IV: Núcleo de Levante y sus principales catedrales: Baarcelona, Gerona y Palma de Mallorca

3.- S.XV: Núcleo de Castilla: Se construyen las catedrales de Sevilla, Segovia y Salamanca y se da un estilo conocido como estilo de los Reyes Católicos. En el núcleo de Levante se construyen importantes edificios civiles como Lonjas de Barcelona, Valencia y Palma de Mallorca y numerosas casas particulares en toda España.

 Esta catedral se construyó sobre una catedral románica entre (1080-1095) que se construyó para la celebración de la boda de Fernando III  y Beatriz de Suavia. Influyó en la posteridad siendo declarada monumento nacional y patrimonio de la humanidad por la Unesco en 1885.

FOTO 1: Fachada de la catedral de Burgos. No se aprecia como en la planta debido a reformas posteriores

FOTO 2: Se puede observar la planta de la catedral en el momento de su construcción, sin reformas posteriores. Se puede apreciar la mayoría de las cosas ya dichas en el apartado de la concepción interior

FOTO 3 y 4: Podemos observar la decoración de los pórticos, siendo esta escultórica religiosa y encontrándose principalmente en las arquivoltas, en los muros laterales al pórtico y destaca un tímpano dividido en dos: una parte inferior reducida dedicada a una fila de santos y otra sección superior de mayor dimensión.

FOTO 5: En interior de la catedral, donde destacamos el triforio.

FOTO 6: Bóveda novedosa en el gótico y más destacada de la catedral, octogonal. estrellada y calada.

BIBLIOGRAFÍA: Wikipedia la enciclopedia libre, Apuntes de Arte 2do Bachilllerato Educamos,

Arte románico. El fin del mundo en el año 1000.

Parece mentira, pero llevamos más de 1000 años de arte analizados. Y es que ahora nos vamos a una época de caballeros, princesas, castillos, monjes... La Edad Media.


COMENTARIO DE LA CATEDRAL DE SANTIAGO

IDENTIFICACIÓN

Nombre del edificio: Catedral de Santiago de Compostela

Autor: Bernardo el Viejo, maestro Esteban y Bernardo el Joven

Patrocinador: Diego Peláez y Diego Gelmírez

Localización espacial: Praza do Obradoiro, s/n, 15704 Santiago de Compostela, A Coruña, España

Cronología: Construcción iniciada en el 1075, consagrada en el 1105 y finalizada en el 1211.

Estilo y época: Estilo románico (también gótico barroco pero principalmente románico), finales del siglo XI y principios del XII  época Edad Media (siglo de las cruzadas).

Restos: Praza do Obradoiro, s/n, 15704 Santiago de Compostela, A Coruña, España


ANÁLISIS TÉCNICO

Tipología: Iglesia Catedral de peregrinación cristiana religiosa románica española

Concepción espacio interior:   Planta de cruz latina formada por bóvedas de arista y de cañón (dividida en tres naves por columnas donde la más alta es la central) con crucero de tres naves, una tribuna y un ábside con girola (deambulatorio)

Concepción del espacio exterior: Desde el exterior se observan dos torres junto al edificio en el pórtico de la gloria. Cubierta abovedada con cimborrio en el centro de la intersección con el crucero. Dimensiones grandes y gran altura en comparación con los otros templos

Materiales y técnicas de construcción: Piedra

Elementos constructivos:

                       - Elementos sustentantes: Pilares cruciformes, columnas (adosadas a los pilares), Arcos formeros, arcos fajones y muros reforzados con contrafuertes

                       - Elementos sostenidos:  Techumbre de madera, bóvedas de arista  (laterales y sólo curvilínea en la girola), bóvedas de cañón (nave central), bóvedas de cuarto de esfera (absidiolos), cimborrio (cúpula sobre trompas) y bóvedas de cuarto de cañón en la tribuna.

                       - Elementos decorativos: Relieves en los capiteles de la columnas, columnas adosadas, impostas con taqueado, molduras, pinturas al fresco , esculturas en las portadas y decoración articular en los muros.


ANÁLISIS FORMAL Y ESTÉTICO

Líneas compositivas del espacio interior y exterior: La tumba de Santiago al ser la meta del peregrino, debe provocar  admiración, ser bello e impresionar. Para ello se sirve de la iluminación y de la monumentalidad

Intencionalidad: Para buscar la perfección se sirve de:

1.-Características prerrománicas:

- Tendencia a la herradura (Mozárabe) dde muchos arcos. Arcos lobulados (portada platerías)
- Peralte de los arcos de medio punto (arcos formeros)
- Absidiolo central cuadrado

2.- La iluminación:

- A través de los vanos de los muros de las naves laterales y del triforio se ilumina la nave central
-La torre linterna del cimborrio ilumina del crucero y el ábside
- Los absidiolos tienen vanos en el muro.

3.- La monumentalidad:

- Armonía volúmenes
- La verticalidad de las torres
-Proporción de todos sus elementos
-Sobriedad y elegancia

Función de la obra: Sirve para albergar los restos del apóstol Santiago, como final para un camino de peregrinación y para dar culto a Dios (Cristianos católicos)


INTERPRETACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN DE LA OBRA

En España el arte románico se difunde desde mediados del S.XI a través de Cataluña y el camino de Santiago. Estaba dividida en varios reinos y en guerra contra los árabes. Concretamente podemos decir que la catedral de santiago se difundió por esta segunda vía, y teniendo por tanto influencia francesa  de localidades francesas como Tours, Vezelay, Le puy y Arlés. Por ello podemos tomar como antecedentes de la catedral de Santiago construcciones románicas francesas como Saint-Sernin de Toulouse o Sainte-Foy de Conques.  Posteriormente a esta catedral se le hicieron más añadidos (por ello presenta actualmente también un estilo barroco y gótico además del románico) y es motivo de referencia en libros, canciones, cartas pastorales y para otras iglesias. Actualmente el camino de Santiago sigue vigente y es uno de los caminos de peregrinación más importantes del mundo

IMÁGENES

FOTO 1:  Plano de la catedral de Santiago. Se pueden observar los tipos de bóvedas,  la división de las naves y el crucero con el transepto

FOTO 2, 4 Y 5: Podemos ver la catedral desde varios puntos de vista desde el exterior. Apreciamos la decoración de las portadas, la cruz latina y los añadidos posteriores.

FOTO 3,7 Y 8 : Permite mostrarnos el interior de la catedral, apreciando sus arcos fajones y formeros además de la división en naves y el ábside.

FOTO  9: Podemos observar de cerca la decoración de la portada de la Gloria con esculturas románicas


CURIOSIDADES

FOTO 6: Esta foto extra muestra un acto vandálico que ocurrió en 2010... pintaron una escultura con graffiti. Debemos de cuidar más nuestro legado y concienciar a los jóvenes de la importancia de la conservación de estas obras para la posterioridad.

BIBLIOGRAFÍA DE IMÁGENES: Google Images, Wikipedia, Dinkiviajeros